EP Answers: un viaje a través de la música de Reversible

Por: José Luis González Muñoz

Cae la tarde en Cuba, sin embargo, a Marco Alonso y a mí nos separan 6 horas de diferencia. En Budapest son pasadas las 12 de la noche, pero a mi invitado ello no parece importarle cuando la propuesta es para hablar de música y trabajo.

Recientemente ha sido lanzado el primer EP de Reversible: una banda joven de música progresiva de la cual es co-fundador y músico. Este es “el pie” para hablar durante un par de horas.

Marco aparece por Zoom en la pantalla de mi portátil y conectamos enseguida.

Intercambiar sobre música con él y perderse en temas alternativos de la historia de bandas, géneros y vivencias personales de su pasado como instrumentista es muy fácil. Ha sido una charla de crecimiento musical que disfruté mucho.

Esta entrevista resultó, como el propio Marco Alonso lo dijera, en una especie de making off del EP “Answers” y del próximo disco de Reversible; para entender el viaje fascinante y étnico que lo ha llevado a crear su propia música.

Quisiera comenzar preguntándote -a modo de introducción breve para quien no conozca el proyecto- ¿Qué es Reversible y quienes la conforman?

Reversible es una banda muy joven, de tres amigos que empezamos con este sueño. En general, la música que queremos hacer es música progresiva, aunque realmente va más allá de lo que es considerado"progresivo".

Nuestro objetivo es experimentar, tomar esto como un laboratorio de música ambiente, de world music. Trabajar en la vanguardia.

En este momento la banda está concebida oficialmente como un trío. Los tres integrantes oficiales somos William Pacheco en la guitarra, Sandor Saint-Hill en los teclados y yo en la percusión y el saxofón. Para conciertos o grabaciones se suman otros músicos, como el bajista, que como tal, es el único de los integrantes -digamos básicos- que todavía no está fijo.

Por ejemplo, para el EP y el disco grabaron dos grandes invitados: José Machado (contrabajo y bajo eléctrico) y José Bermúdez (bajo eléctrico y violín).

Entonces, Reversible es eso, la idea de que pudiéramos expandir los límites estilísticos existentes asociados con géneros musicales específicos.

Cuéntanos un poco de dónde viene Marco Alonso. Sé que fuiste durante años baterista de Anima Mundi, la mítica banda cubana de rock progresivo, y también instrumentista de muchos otros artistas importantes de la isla. Quisiera que nos compartieras cómo fue esa experiencia y lo que te aportó como músico.

Mi experiencia con Anima Mundi ha sido genial en todos los sentidos. Yo entro a la banda en el 2014 y en el 2016 tuve la oportunidad -durante un festival en Europa- de compartir escenario con Carl Palmer, miembro de la legendaria banda Emerson Lake And Palmer, con Camel y con The Flower Kings; esta es la dimensión de una banda como Anima Mundi.

Entrar en ese laboratorio de ellos fue genial, son una biblioteca, una enciclopedia de esta música (rock progresivo) y eso realmente me marcó mucho, me abrió a tener otra visión del rock progresivo que no es la que tiene la gente, que es la “exposición” técnica. Fue una gran experiencia poder participar en grandes revistas del género que salen en Alemania, Francia o Italia, además de los escenarios, muchas reseñas o reviews. Sin embargo la difusión en Cuba es bastante pobre, siendo ellos una banda de la excelencia del catálogo del Instituto Cubano de la Música.

Es increíble que dentro de la misma escena rockera, ya no hablar de la escena musical en general, una gran parte del público no conoce a Anima Mundi…

Romper con eso es complejo, y más en la Cuba actual, son personas que llevan muchos años trabajando y que llegan a un “top” y se dan cuenta que tienen giras internacionales, pero que dentro de Cuba hacen intentos, pero la cosa no fructifica, como te dije es un tema muy complejo… Yo le debo muchísimo a su director Roberto Diaz y a Virginia Peraza, considero que son dos maestros de ese género musical, y además dos grandes amigos míos y personas de mucha luz que me encaminaron hacia lo que yo quería.

Con respecto a mis comienzos como instrumentista, te cuento que soy de Pinar del Río. Allí trabajé muchos tiempo con Médula, en la cual estuve 8 años de mi vida donde encontré una familia, haciendo música de la escena hardcore. Mi escuela del rock en la batería es Médula, con toda esa alineación excelente que pasó por la banda.

Con Médula el currículum fue bien amplio. Por ejemplo con Gerardo Chijona trabajamos en la película “Boleto al Paraíso”, donde compusimos junto a Edesio Alejandro la banda sonora. Con Médula pasaron muchas cosas y todavía siguen pasando aunque últimamente ha estado un poco itinerante, casi todos los integrantes están fuera de Cuba y los que se quedaron ahora residen en Matanzas.

Creo que es una de las bandas con las que más me he divertido, fueron mis primeros festivales, fue mi primera vez al enfrentarme a un gran escenario: un “Ciudad Metal” en Santa Clara. Fue brutal, miles de personas y tocando con las grandes bandas de Cuba. Médula fue la banda que me abrió las puertas.

Cuando llegué a La Habana estuve unos años trabajando con Raúl Paz, y bueno, aquí te cambio el vinilo completamente para la cara B (risas). Otra escuela diferente, ahí aprendí muchísimo a trabajar con las “máquinas”, aprendí a que las “máquinas” fueran parte de mi set de percusión pues Raúl añade todo eso en su música.

También toqué con Polito Ibañez, un amigo,un guajiro natural como digo yo. Un tipo desenfadado que lo puedes llamar a las 4 de la mañana para que te ayude a “tirar una placa” o para cualquier cosa. Una persona de las más humildes que he conocido.

Trabajé con Aceituna sin Hueso, de las primeras bandas de Santa Clara que comenzaron a mezclar la trova con el flamenco.

También toqué con Eddie Escobar, pero esta vez en el saxofón, en un proyecto que es La Big Bros Band haciendo covers de rock. Considero que Eddie es uno de los músicos que mejor hace esto de las covers band, uno de los grandes conocedores de la obra de Los Beatles en Cuba, un tipo que se sabe todas las canciones y toca todos los instrumentos. Un genio en eso, además de una vitrola en lo que respecta a toda la música anglosajona.

Y bueno, más recientemente decidí llevar a cabo este viaje que es Reversible, el momento de hacer la parte mía. La etapa anterior la disfruté muchísimo, pero ya tenía ganas de ser más que “un soldado del atril”, como le decía un profesor que tuve a los músicos instrumentistas.

Un poco que con el tiempo te vas convirtiendo en un autómata que lee lo que le ponen delante en el atril y pasas los años trabajando para los demás. Entonces pensé en hacer esta empresa junto a mis otros dos hermanos.

Ya hablando de Reversible y del EP, los que conocen el trabajo de la banda los catalogan en líneas generales como rock progresivo, pero ya me dejaste caer que realmente es más que eso.

Yo creo que la música progresiva va más allá de lo que es el rock progresivo, se expande más y toma más subgéneros, existe también el jazz progresivo. Cuando hablamos de progresión es eso, de expandir más allá de la existencia de géneros específicos: las influencias del world music, la sonoridad del jazz también está ahí implícita.

En Reversible nos interesa hacer un collage -por llamarlo así- porque “fusión” puede hacer cualquiera. A nosotros nos interesa tratar de hacer un collage, sin prejuicios, o sea, manejar todo esto como una máquina del tiempo viajando al pasado y tomando la música del pasado sin ningún problema para mezclarla con sonidos nuevos actuales; por ello el nombre de Reversible.

La idea está en el EP, los tres temas son bastante diferentes pero igual están muy entrelazados, hay una historia entre los tres temas -que te comentaré luego-, pero creo que logramos homogeneizar ese sonido.
Lo complejo es que cuando vas a hacer música jazz, algún subgénero del jazz (puede ser bebop, free jazz, latin jazz,etc), más o menos existe una fórmula, como la fórmula del pop o la fórmula de la timba; algo que es muy común en la música occidental y que creo que los Beatles lo expandieron mucho con el estribillo, la introducción, el tema, la coda y el puente (que es lo que refresca lo que se viene repitiendo).
Esa fórmula está allí: tú vas a hacer música como blues por ejemplo y es lo mismo, pero cuando vas a hacer música contemporánea, te adentras en este mundo del arte del collage, de coger de aquí y de allá.

Y lo difícil es homogeneizar un disco de 10 temas, con una duración de 60 minutos. ¿Cómo darle un sonido a toda esa música, una dramaturgia? Es complejo y fue el reto tanto del EP como del disco…

Claro, que no parezca que los temas están puestos aleatoriamente. Lo bonito del arte es eso, que puedas transmitir esta idea de collage sin que los oyentes sean necesariamente expertos en el género.

Entrando de lleno ya en el EP, específicamente en el tercer tema “Andares”, me gustó mucho porque entre otras cosas hay unos motivos de saxo que me transportaron al disco “Pulse” de Pink Floyd.
Háblame un poco de las influencias y de todo esto que pusieron en el EP y que lo enriquece tanto.

¡Qué decirte! (risas)
Tomar a Pink Floyd como influencia es inevitable para una persona que le gusta el rock progresivo y además el saxofón. Te cuento que aunque yo toco drums - que es mi instrumento principal- en la escuela me gradué de saxo.

Pink Floyd es una banda excepcional -indiscutiblemente- de música progresiva, de ambiente; pero realmente ellos fueron más que eso: experimentaron muchísimo dentro de lo que es la psicodelia, la música electrónica; la parte de los sintetizadores es genial. Una banda grande y ambiciosa, y por la parte letrística es impresionante, Roger Waters es un poeta.

El “Pulse” es un en vivo de ellos del año 1994 como parte de la gira del segundo álbum que hacen sin Roger Waters: el “División Bells”; aunque el DVD -que es genial- fue sacado en el ´95. Sin duda es el más grande que ha hecho Pink Floyd, muy costoso además. Yo escuché hace años una entrevista a David Gilmour en donde dice que Pink Floyd había perdido más dinero del que habían recaudado. Fue un concierto muy experimental donde por primera vez se probaron los lasers en el mundo, también el sistema de luces fue totalmente novedoso.

Te podría decir también muchas otras bandas como Soft Machine, de los ´70, que está más enfocada en el jazz, en el jazz rock, la experimentación, el jazz modal, la fusión y toda esa onda. Es una banda progresiva y también tenían saxo pero hay muchas más bandas de la vanguardia de los ´70 que también tenían saxo como King Crimson.

Te voy a mencionar ahora a uno de mis héroes (el disco que va a salir pronto, tiene algunas pinceladas de su música), que es Vangelis y por supuesto la música de Vangelis está llena de arreglos de orquestaciones y de saxos, sobre todo esa banda sonora de Blade Runner.

Ah, esa es una de mis películas favoritas de siempre, con esa banda reforzando unas escenas, una fotografía y unos pasajes bellos. Pienso que para disfrutar realmente esta película debes verla con unos buenos audífonos…

Totalmente: es música futurista pero a la vez es música del background, de la historia del jazz porque está llena de todas esas escenas románticas y misteriosas. Yo creo que ahí también hay mucho del background que a mi me ha influenciado a lo largo de los años. Es como una academia. Acá en Cuba no es muy habitual el consumo de este tipo de música, o sea, es un sector muy elitista, y no todo el mundo lo consume, lo que es el jazz o la música contemporánea.

Respecto a mis influencias, otros de los artistas es Steven Wilson, cantante y arreglista que viene de la legendaria banda Porcupine Tree, que ahora está haciendo su carrera en solitario; y es en la actualidad uno de los artistas que también está recapitulando la música del pasado, muy marcado con esto de la orquestación y de los arreglos pomposos.

Este EP también tiene en sus tres temas algo en sus arreglos que me lleva a la música latinoamericana, a géneros como el tango por ejemplo ¿es así?

Sí, sí y de eso mismo te iba a hablar.
El EP en general tiene cierto concepto latinoamericano, historias ancestrales de los pueblos indígenas. Hay una relación con Argentina, con La Plata, con México y determinadas civilizaciones precolombinas de ese país, y entonces también un poco el concepto este psicodélico -que no es nuevo-, ya el Rey Lagarto (The Doors) había experimentado con el peyote y cosas relacionadas.

En este sentido el sonido del CD tiene cierta influencia étnica también de África y demás música folclórica que le imprime el ritmo al disco, por ello me refiero como world music, porque vamos mutando en una transición, en un viaje por el mundo, en otros países y el sonido del saxo es también muy argentino, con muchas influencias de allí y también del argentino de los ´70.

A mi en lo personal de este país me ha influenciado inevitablemente el rock: Cerati, Charli García, La Máquina de Hacer Pájaros, Spinetta. Y por otra parte uno de mis saxofonistas preferidos es Gato Barbieri, el maestro creador de la música para la película “El último tango en París”.

En el EP pusimos algunas texturas de este tipo y para matizar también. Tiene mucha influencia del cine noir. Este tema “Andares” es una suite muy nocturnal, que refleja todo esto del cine negro y su ambientación oscura, de la noche y de la ciudad, de los bares, y de las andanzas. El nombre viene de allí.

Algunos amigos que son cineastas (como mi hermano) me dicen que el tema les resulta muy oscuro, que tiene imágenes muy oscuras cuando lo está escuchando, pero hay un momento del tema que hay mucha iluminación, y esto viene por las armonías que aparecen que son de mucha luz, una parte espiritual muy intensa, que cambia radicalmente el tema, el clima del tema. Y el EP tiene todo el tiempo ese matiz, hay ciertos claroscuros pero en algún momento en las armonías aparecen este tipo de armonías de luz.

¿Por qué la mayoría de los nombres de los temas del EP están en inglés, incluyendo por supuesto el de la banda?

Con respecto al nombre de la banda, Reversible se escribe igual en inglés que español, lo único que cambia es la pronunciación pero es casi lo mismo y entonces lo que estaba tratando era globalizar más el producto. Si nos referimos al EP esto es relativo, porque en el EP hay un track en español, el propio “Andares” del que estábamos hablando.

Entonces, como estamos haciendo música instrumental no tenemos compromiso con esto; pero sí en el disco el texto del wordart va ir en español e inglés porque estamos tratando de entrar en otro mercado para que nuestra música se expanda no solo a nuestra isla sino a Latinoamérica y a otros países. También se agradece mucho cuando alguien va a leer los créditos que aparecen en ambos idiomas y no pasa nada si un tema está en inglés.

Siguiendo con lo de los nombres, “Answers” que es como se llama el EP, se traduce en español como “respuestas”, por qué “respuestas”, cuéntame la historia que hay detrás.

La producción del disco la comenzamos en el 2020, que para nadie es un secreto que fue un momento difícil. El mundo entró en una especie de trance raro en el que todos estábamos encerrados en las casas y el plano existencial fue profundo para todos. Fue el año también en el que muchos proyectos que se encontraban engavetados fueron sacados y se convirtieron en nuevas oportunidades y para mi “Answers” fue eso, por ahí el nombre.

Ese año que comenzó la pandemia la muerte nos marcó un poco a todos, nos tocó de cerca, rondando, y entonces me metimos en todo ese canal: la vida después de la muerte, el plano espiritual, pasado-presente y encontramos todo lo que te hable anteriormente: ciertas culturas ancestrales de latinoamérica, de México que usan ciertos sistemas de adivinación a través del peyote. Eran los chamanes de las tribus, de ahí viene uno de los nombres y el concepto que tendrá el disco, que se llama “nierika”, uno de los nombres de un track; y un poco que el concepto del EP sale de ese nombre.

“Answers” no es más que eso, las respuestas encontradas en un sistema de adivinación ancestral. Las respuestas de ese momento existencial y en ese trance que pasamos todos entre la ida y la muerte, ese tiempo en que la muerte lo estaba rodando todo.”

Podemos afirmar entonces que el nombre del EP tiene una traducción a nivel de arreglos, música y armonía; pero también filosófica y de historias de vida…

Sí, exacto. Por ejemplo el nombre del futuro disco va a ser “Walking Blind” o “Caminado a Ciegas” y va por el mismo concepto: el camino de la vida a la muerte, o de la iluminación como quieran los oyentes interpretarlo cuando escuchen el disco. Es el concepto tanto del EP como del CD: todo tiene un enlace.

Y pusimos a convivir todas esas ideas.

Me parece muy acertado que tú tanto como los otros dos integrantes siendo músicos de escuela, jazzistas, con un EP que nivel de composición, arreglos y ejecución no me cabe duda que es complicado; el objetivo o de donde proviene todo esto no sea que suene “complicado” o hacer “música complicada”, lo cual transmite mucho de lo que para ustedes es la música progresiva.

Precisamente es este cartel de “complejo” lo que muchas veces aleja al gran público de géneros como el jazz.

Yo, como artista, en un momento en mi vida lo entendí y todavía estoy tratando de hacerlo, porque uno se encierra muchos años estudiando y trabajando en lo que es el virtuosismo o “haciendo deporte” y esto es lo que les cuento a mis amigos cuando vamos a crear algo. Hay un momento que sales a la calle a tocar, y entonces ahí nace un compromiso y debes escoger entre hacer arte o “hacer deporte”.

Mucho de lo que veo a diario, no solo en Cuba sino en otros lugares, es que la música que escucho no me llega, no me lleva a ningún sitio, no me transmite nada; solo me trámite una escala armónica o una buena ejecución o un virtuosismo vacío (sin menospreciar o criticar a nadie, es simplemente mi visión).

Con respecto al jazz yo no creo que sea música para músicos. Casi todos los conciertos de jazz que puedas ver en videos y festivales internacionales como por ejemplo el “Heineken Jazz Jazzaldia” (en San Sebastián, España) que es de los más importantes y ves miles de personas en el público. Yo no creo que el 98% sean músicos: ahí pueden haber desde periodistas, cineastas, artistas en general, o cualquier “civil”, como decimos nosotros para referirnos a cualquier persona ajena al mundo del arte que le atraigan los sonidos y la experimentación..

Por otra parte, sigue habiendo mucha gente va a un concierto de una banda de jazz y siente que no les lleva a ningún lado, que están intentando conectarse con la música pero sienten que las improvisaciones son muy continuas, todo es muy evidente, monótono; y queríamos romper con eso en el EP, lograr un trance, lograr atmósferas, y eso es realmente lo que más nos sedujo al momento de hacer el disco.

“Hay jazz muy visual que cuando lo escuchas entras en un trance, ahí es cuando puedes decir que lo entiendes, que entiendes lo que está pasando.”

Casi que podemos decir que en este caso la música buena es como la poesía buena, que es muy visual.

Sí, y apoyando esta idea, creo que el EP o el disco tienen esa visión de una banda sonora, está más inspirado en música de cine, por eso las improvisaciones están más controladas; o sea no es música para músicos sino que es una obra de arte más inspirada en bandas sonoras.

Por ejemplo, mi hermano Alejandro Alonso (realizador de cine independiente) siempre me transmitió esa idea de que era música muy visual, y yo estoy encantado con eso, me parece que es un camino que adoro ahora mismo.

Ahora háblame un poco de la parte más técnica del EP: del proceso de grabación, producción, arreglos, donde lo grabaron, sello discográfico, etc.

La producción es totalmente independiente, no está involucrado ningún sello discográfico nacional o extranjero por el momento. El 2020 fue el laboratorio para crear el disco, el 2021 fue ya cuando empezamos a hacer realidad ese boceto. Ha sido una locura, es uno de los problemas más grandes de los que me he metido en mi vida. Fue muy estresante asumir la producción entre Willian Pacheco y yo, tanto ejecutiva como musical.

Tanto en la composición como en los arreglos musicales participamos los tres, todo el mundo aportó sus líneas.

Fue complejo porque el disco es ambicioso en el sentido técnico. El disco tiene muchos sintetizadores, que son equipos caros, son equipos complejos para grabar. Pero, tiene muchos instrumentos acústicos también: contrabajo, saxos, pianos, violín y entonces para grabar esos instrumentos acústicos no se puede hacer en casa para que quede al nivel que nosotros deseábamos llegar.

Pero eso no es todo, nosotros queríamos que esos instrumentos acústicos se grabaran con micrófonos, lo más antiguos posibles, o por lo menos emulando esa serie de esa época añeja, vintage y ya eso se salió del plan de presupuesto que era muy modesto…

Para recalcar, ¿todo fue autofinanciado?

Todo de nuestro bolsillo literalmente. Fue una etapa bien compleja, por la pandemia y además porque a nivel personal nació mi hijo. Por eso te digo que me metí en problemas, porque la única manera de grabar todos esos instrumentos era ir al mejor estudio.

¿Abdala?

Sí, era ir a ese o a alguno de ese nivel o de los independientes, de los mejores.

Entonces, las mezclas y la masterización fue otro problema más. El tema es que como no tienes dinero, no tienes el presupuesto que te aporta un sello discográfico, en este caso EGREM o BISMUSIC. Con ese presupuesto tu vas a buscar a quien tu quieras: diseñador, grabador, mezclador. Tu pagas el estudio que tu quieres, o sea, tu haces tu cuenta, negocias y pagas. Hay un presupuesto asignado para ese disco.

Entonces el grabador, el mezclador y el máster fue un problema..¿Quién nos hace este favor? Y lo tengo que decir de esta manera porque fue eso: un favor, pero que esté afín con esta música, porque no es un disco habitual, es muy loco, todos los días no se mezcla un disco así con tanta experimentación. Esta persona tiene que entender todos esos géneros para saber a que se está enfrentando, o sea, no es un disco acústico pero no es electrónico tampoco.

Nos mencionaron dos o tres nombres pero no sabíamos si iban a estar disponibles o iban a querer ayudarnos y entonces apareció un amigo, un tipo de los más cracks que hay en Cuba: Luis Durán. Tanto en el sonido directo como el de estudio para mi es de los mejores en el país, y a él le encantó el proyecto. Le dije que pasara por mi casa y escuchara todo lo que había grabado que era básicamente el drum acústico.

Mi casa es una casa antigua con un puntal alto. Lo grabé con una técnica tipo John Bonham de Led Zeppelin: con dos micrófonos nada más ya que en aquellos años los drums sonaban muy naturales, no estaban tan comprimidos.

Cuando Luis lo escuchó me dijo que estaba fuera de liga y ya el sabía lo que nosotros queríamos, las intenciones que habíamos tratado de hacer en las mezclas, entonces él cogió todo eso y lo hizo realidad.

“Me dijo: El sonido del disco es este, vamos a regrabar todo pero con este mismo concepto que hiciste en la batería, usando más microfonía pero logrando esa síntesis de microfonía de los 60.”

En ese momento él estaba mezclando el disco de Real Project por lo que está muy familiarizado con la música progresiva. También había mezclado años atrás el “The Way” de Anima Mundi; y bueno, todos los discos de David Blanco, Ideania Valdés, Leoni Torres, etc.

Él ha trabajado con todo el mundo en Cuba, un tipo muy mixto.

Fuimos a grabar a “dBega Estudio”, un estudio en donde el capitán de la tripulación es Carlos de la Vega, uno de los grabadores más viejos. Su estudio está en Vibora Park. Es un estudio muy ambicioso, con micrófonos antiguos, de válvula y todas esas cosas que te estaba mencionado que son difíciles de encontrar: todo los racks que tiene son analógicos. Tiene hasta un piano de cola Steinway & Sons de los mejores del mundo. Ahí grabar fue mágico.

“Este no es un disco que se pueda grabar en la casa. Por ejemplo, cuando yo estaba maquetando el drums (yo vivo en el canal del Cerro) tenía que estar luchando con los pregones: El bocadito de helado, Las flores, La vela, El coquito.”

Es muy complejo. Lo único que sí grabamos en casa fueron los sintetizadores.

¿Y tienen planeado licenciar con alguna disquera?

Por supuesto que lo vamos a hacer, acá había recibido alguna propuesta, es parte del plan. Creo que es necesario para asumir los próximos proyectos visuales que vienen. Además quisiéramos también registrar el disco en los archivos del Museo de la Música, tengo amistades allí que siempre me pedían las cosas de Anima Mundi y que me decían que cuando tuviera algo propio se los llevara.

¿Qué estrategia tienen para promocionar el disco o el EP, digamos por ejemplo en las plataformas de streaming? ¿Tienen distribuidora o un equipo que los apoye en todo esto o también están solos en eso?

Ahora mismo nos consideramos totalmente una banda independiente, el viaje acaba de empezar. Pero, con respecto a la distribuidora tenemos a la más común que es DITO. La otra parte es más ambiciosa, pero creo que en algún momento va a llegar, que es la parte de las tiendas que queremos crear, de música, colecciones, vinilos, eso es otro de nuestros proyectos, o sea la música está preparada para ese formato, porque es realmente muy consumido…

Sí, está regresando esta música tangible…

Todo el mundo saca todos los discos para los tres formatos: streaming, CD y vinilo. Y ahora se está retomando también el cassette, que todos los que crecimos en Cuba tenemos un trauma porque para el cassette es horrible (risas). De hecho lo están haciendo ya más por nostalgia que por otra cosa.
A diferencia del vinilo que siempre fue el mejor, lo que pasa que el precio es muy alto y apareció la alternativa digital que sedujo a todo el mundo y es realmente buena, pero está comprobado que la mejor experiencia sonora en la música es un vinilo. La única música que no se escucha muy bien, dicho por estudiosos es la clásica: por las ondulaciones de la aguja las cuerdas se sienten medio cromadas.

Y todo esto son un poco las ideas que tenemos, esta tienda online donde se puedan encontrar toda la música de Reversible en los tres formatos y también esta parte típica del merchandising. Con el tema del equipo de trabajo por supuesto que en algún momento se dará, es uno de los planes futuros.

Quisiera aprovechar para agradecer a muchos amigos que me nos han ayudado, ya te mencioné a Luis Durán y Carlos de la Vega. Pero me quedaba Yanisi Fuentes, la diseñadora. Un amigo que hizo un óleo para el disco que es la portada, un artista italiano que se llama Anthony Rondinone que vive en los Estados Unidos. Victor López de Remache Studio, Alejandro Alonso mi hermano y Daniela Muñoz directora de cine independiente.

Finalmente, a toda la familia de nosotros que nos apoyaron tanto.

¿Con respecto a los medios audiovisuales tienen pensado algo para el EP / Disco?

Sí, queremos sacar un clip pronto, más artístico o conceptual, pensamos ni salir nosotros ahí. Ese es el próximo paso.

El otro es un DVD en plan futuro, espero que pronto podamos hacerlo, cuando ya tengamos el apoyo de la disquera porque ya es un poquito más complejo en cuanto a producción.

¿Las personas que ahora mismo quisieran escuchar el EP dónde lo pueden hacer?

El EP está en todas las plataformas de streaming, las más visitadas : Spotify, Youtube Music, Apple Music, Deezer, etc.

Bueno, para terminar quisiera que te despidas con un mensaje a la audiencia que no conoce a Reversible para que vayan a escuchar el EP….

Los invito a involucrarse en este viaje,en esta música experimental para que conozcan lo que está haciendo Reversible, una banda joven de Cuba.

Y va a ser genial que puedan leer esta entrevista para que entiendan el por qué y todas las decisiones que tomamos.

Me parece excelente que la gente pueda leer esto, que sepan. Es como un pequeño making off de toda la travesía.

Quisiera terminar agradeciéndoles en nombre de la banda a tí y a La Jeringa por la entrevista. Es un tremendo placer haber estado hablando aquí de música, de Reversible, del EP y del disco…tremenda muela (risas y aplausos).